DE ANGEL Y EL COLOR COMO REALIDAD MAGICA DE LA PASION

De Ángel, pintor realista, nace en la ciudad de Barcelona en 1966, donde se forma de manera autodidacta en el mundo de la pintura, mientras compagina sus estudios de diseño gráfico en la escuela de artes Llotja y trabaja en diferentes campos artísticos, como la fotografía, la ilustración y el diseño gráfico.

Después de esta etapa, colabora con marchantes de Chicago (USA) realizando óleos de paisajes y bodegones. Participa ocasionalmente en exposiciones colectivas e individuales, pues preferentemente da a conocer sus obras de forma personal a particulares y empresas, como es el caso de la colección Lotus-IBM, formada por una veintena de óleos, que se encuentran en la sede de ésta en Madrid.

Le han sido concedidos diversos premios de dibujo y pintura. El último en su haber, el primer premio de la fundación privada Reddis, le fue otorgado el pasado año en la convocatoria que realiza anualmente dicha fundación.

A partir del año 2002 se dedica en exclusiva a la pintura, dejando a un lado todos los demás campos y trabajando en su estudio de Ciutat Vella, en el que produce la obra que ahora se nos empieza a mostrar.

Pintor de carácter realista, en cuya primera etapa encontramos un acercamiento al surrealismo; y en el conjunto de su obra, la admiración por los grandes clásicos de la pintura española, como Velázquez y Fortuny. Técnicamente esmerado, se refleja la importancia que el artista da al dibujo cuidado y a la calidad pictórica, para transmitirnos una obra intimista, en la que el misterio y la poesía se mezclan.

En cuanto a la temática, hay un gusto por situar las figuras en espacios abiertos, quizá por un intento de evadirse de la estrechez de paredes e ideas, de la vida que nos rodea. En sus obras encontramos desde la mirada siempre interrogante de un niño al desarraigo de la mujer de hoy en día. Practica una aguda visión psicológica con la intención de establecer un dialogo con el espectador, a lo que el artista da una especial importancia, induciendo a encontrar esa realidad mágica que cada uno de nosotros llevamos en el interior más profundo.

Podemos encontrar desde la mirada siempre interrogante de un niño, al desarraigo de la mujer de hoy en día, motivado por la lucha interior entre su propio instinto y la realidad de los tiempos que corren. En obras de realización más reciente, el autor aumenta su percepción de lo cotidiano, que expresa a través de la representación de los objetos que nos rodean habitualmente, en los que encuentra la belleza que encierra lo pequeño, lo antiguo y lo deteriorado por el paso del tiempo, que le otorga la capacidad de conmovernos, si somos capaces de descubrir el mensaje que albergan.

NEVILLE LOGMORE Y LAS NUEVAS VERSIONES DEL ARTE PICTORICO

Neville Logmore, artista que hoy presenta su obra en Navío del Arte manifiesta: “Cuando estoy trabajando mi arte oscila entre los dos niveles, la estética y lo divino. Se mueve hacia lo misterioso, aunque cuando entrego el control y la espalda hacia el técnico, es cuando pierdo la confianza. Es como aprender a volar. Me gusta mantener en mi trabajo lo que Kandinsky describió como “una necesidad interior del alma”, mientras que, paradójicamente, manteniendo la idea modernista de que "Un cuadro, antes de ser un caballo de guerra, una mujer desnuda o una anécdota, es esencialmente una superficie plana cubierto por los colores en un orden determinado”.

Cuando estaba en la escuela de arte de Belfast y anteriores en Bangor Technical College en la mitad de los 90, ya estaba fascinado por la tecnología emergente en la manipulación digital. Empezó a escanear sus dibujos, pinturas, fotografías, etc., y transformarlas en la galería-tienda. Estaba buscando una cierta estética, (Kandinsky, Klee, Marc, Miró, Gorki) que era incapaz de crear en ese momento, pero parecía estar más cerca de estas transformaciones. También había comenzado a ver algo parecido a ciertas composiciones que presenta la naturaleza, como rocas y otros objetos encontrados. Le gustas explorar rocas y crear imágenes pictóricas en las primeras versiones de Photoshop y Paint Shop Pro. En ese tiempo, algunos procesos pueden tardar horas en los ordenadores que se usaban 386 que fue frustrante, pero asegurando que lo hizo bien antes de hacer clic con el ratón.

Al cambiar constantemente entre la pintura (acrílicos, acuarelas) y arte digital. La estética es similar en ambos. Su mayor influencia es con los primeros pintores abstractos en especial el grupo El Jinete Azul en Múnich, formado por Kandinsky y más tarde la Escuela de Nueva York o expresionistas abstractos. Últimamente ha estado interesado en la creación de arte digital y salida de vídeo de imágenes de Google Earth. Sus esfuerzos en las manipulaciones son de preservar la estética en las pinturas. Cuando está usando los medios digitales más natural de lo que suelo utilizar en la pintura de acrílico sobre lienzo, le gusta la inmediatez del medio y la diferencia más amplia de sentirse entre los diversos productos químicos derivados del petróleo. También le gusta la manera en que puede utilizar el agua abundantemente sobre todo en las primeras etapas de una pintura.

Una frustración que ha tenido es que con el secado, especialmente cuando se utiliza una gran cantidad de agua, el brillo y la textura se han perdido. He comenzado a fotografiar su trabajo durante estas etapas, en tanto un intento de registrar el proceso y crear obras de arte digital en el que por derecho propio. También le da la confianza para asumir la pintura aún más porque la fotografía se convierte en una obra de arte por derecho propio.

No ha sido una batalla constante en su mente sobre el uso de medios digitales o físicas. También me parece difícil de conseguir pinturas a través de Internet, con los problemas de la gama, brillo, la escala y textura. Su arte digital es muy pictórico y cuando siente que es superior lo digital a sus pinturas en tela, llega a ser muy deprimido y la necesidad de elevar su nivel le obliga a tomar las telas mejorarla hasta conseguir un gran perfección estética y artística, tanto de contenido como de color. Es una lucha mental y artística muy difícil.

También se ha interesado en la continuación y la aceleración del progreso en la develepment de los pigmentos de los pintores de principios de las cuevas de Altamira para trasladar al siglo 21 y el estudio de esto le ha dado más consciencia de lo que está ocurriendo en el lienzo.