FRANCISCA (FUNG KAU) CHENG: SU MUNDO COMPARTIDO

Comenzando su recorrido en la década de los 80, en uno de los más famosos puertos de China - Hong Kong - Ella se desarrolla rodeada de ricas influencias culturales, en donde se despertó su espíritu artístico. Con unos sencillos trazos de niña, en su natural intento de expresar por medio de su creatividad las emociones e ideales, florece su percepción del mundo que nos rodea.

La primera formación académica en el arte, inicia durante la temprana niñez. Donde una profesora en su país natal, la introduce al realismo y la pintura china. Continuó sus estudios autodidactas en Costa Rica y en el 2005 se especializó en la tiza pastel y el hiperrealismo. Durante estos años, así como posteriores, sus obras recibieron reconocimientos internacionales.

Francisca prosigue extendiendo su horizonte artístico, comunicando sus ideas y actitud positiva a través de sus diferentes técnicas aplicadas en un mundo compartido.

Ya en el 2008 y más extensamente en el 2009, la situación actual del planeta provocó un cambio en su temática, enfocando parte de su obra a producir un mensaje unido a la naturaleza, no sólo contemplativamente sino con acciones directas hacia el espectador.

Su obra destaca por su vigor, trazos impregnados de soltura y fuerza. La superación de las fotografías con su expresión figurativa, combinado en el híper realismo los acabados que sobresalen en sus pinturas.

OLIVERIO CORRALES: LA RIQUEZA ESPIRITUAL ANDINA

El tema central de mi obra es el ser humano, en particular, el sujeto andino, personaje al que continuamente trato de proyectar de manera positiva. Siendo este mi punto de enfoque, tengo especial cuidado en mostrar lo que para mí constituye la esencia del ser indígena ecuatoriano: su cultura milenaria, sus raíces ancestrales pasadas de generación en generación, su sabiduría, su sublime respeto a la madre tierra (Pacha Mama), y su nobleza y riqueza espiritual. Esta serie de atributos me ha impulsado a presentar a las mujeres y hombres andinos con la dignidad que caracteriza su porte y carácter interior. Tal así, que mi búsqueda es reconocer al individuo andino sin recurrir a percepciones exóticas que lo alejan del resto del mundo. Por el contrario, busco aprehender su figura esencial como persona, atributo a menudo distorsionado por su caracterización como algo extrínsico, ajeno y a veces como arrogante mistificación de los pueblos indígenas. En mi obra, el indígena ecuatoriano se proyecta a una audiencia más amplia y más conciente de los aspectos que unen a todas las culturas y credos bajo una misma rúbrica: su humanidad compartida con el mundo y los desafíos y experiencias de la vida diaria.

Para llegar a este objetivo, he iniciado mi trabajo partiendo del ámbito de lo real al plano estético del surrealismo. He hecho esto en parte porque considero que el lenguaje surrealista es un lenguaje universal tanto en el arte como en el sicoanálisis, elementos que facilitan la lectura de lo regional andino a un público cosmopolita. También permite que la audiencia asocie libremente al sujeto indígena con cualquier individuo en el mundo que encarne no solamente una tradición, sino una búsqueda humana e individual. La otra razón, es que el surrealismo expresa de manera más dimensionada lo que en Latinoamérica se conoce como “Surrealismo Mágico” que es una caracterización localista de lo mágico, mítico y cotidiano de la experiencia latinoamericana, en base a cuyos elementos se ha identificado mi obra.

En suma, son estas formas interpretativas las que han dado rienda suelta a mi imaginación sin que ello signifique una manipulación indiscriminada de lo que constituye el ser humano en esencia, a la vez que ofrezco una alternativa estética no tradicional y original en su proyección.

CARMEN ALDUNETA: EL ENCANTO COMO MISTERIO

Carmen Zita Aldunate Salas, pintora y dibujante. Nació en Viña del Mar, Chile el 10 de febrero de 1940. Ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Católica de Chile a los diecisiete años: Luego continuó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Fue alumna de Mario Carreño, Roser Bru, Nemesio Antúnez, Delia del Carril, Mario Toral y José Balmes. También realizó estudios en el Departamento de Arte de la Universidad de California en Davis, Estados Unidos, donde tomó contacto con Thiebud, William Wiley y De Kooning.

Ha sido profesora de dibujo y pintura en la Universidad Católica de Chile y en diversas instituciones. Destaca su trabajo como ilustradora de importantes publicaciones literarias. Ha participado en proyectos que integran arte y decoración. Desde 2004 es Miembro de Número de la Academia de Bellas Artes del Instituto Chile.

ANALISIS DE LA OBRA

La figura humana tiene un papel protagónico en su trabajo que cobra un carácter narrativo de gran contenido psicológico. La artista hace gala de oficio, al pintar, dibujar y desarrollar técnicas clásicas y modernas que requieren prolijidad y paciencia. Trabaja de preferencia en gran formato el óleo sobre tela, óleo sobre madera, dibujo a lápiz, pastel, técnica mixta, collage madera fija, maderas teñidas, pintadas y cortadas. La preponderancia que otorga al dibujo como base de toda técnica, se manifiesta claramente en sus grabados. Las figuras y rostros de mujeres de rasgos idealizados, son una constante en sus cuadros. Las viste con ropajes renacentistas y las inserta en exóticos escenarios en los que tanto el encanto como el misterio, se hacen presentes a la vez que imponen un mensaje feminista que denuncia con elegante sarcasmo y humor, la opresión y el sufrimiento psicológico del que por siglos, han sido víctimas las mujeres.

Su obra se estructura en la evocación de la ilustración florentina, citando en casi toda su producción las madonnas del Renacimiento. Este traslado pasa por una reestructuración que obedece al filtro contemporáneo y al conocimiento de avances pictóricos en la materia. "El burdel" es una obra que refleja las predilecciones estéticas de la pintura junto al tratamiento en pose de las figuras, característica presente en casi toda su obra.

Carmen Aldunate es una de las pocas pintoras que ha logrado un reconocimiento por parte del público general. Un reconocimiento que significa que su obra se ha instalado dentro del imaginario visual nacional publicando en revistas, portadas de libros, etc. Este reconocimiento por parte del público no especializado está matizado por el respeto de la crítica. La artista alcanzó tempranamente el estilo propio que como se puede ver en la obra “Sin título” hace reconocible fácilmente sus influencias que van desde la pintura renacentista hasta el modernismo con ciertos aires barrocos.

DENIS NUÑEZ: LAS PROFUNDIDADES DE UN LENGUAJE

Acercarnos a la obra del Pintor Denis Núñez constituye de inicio un juego de efectos , la misma sensación que nos atrapa al abrir de golpe la única ventana de una somnolienta habitación hacia la claridad del día; una figuración realista que atrapa al espectador, virtuosismo técnico y una esmerada factura son las primeras luces que cuestionan la ingenuidad del espectador, pero cuidado, al acomodarse nuestras pupilas estaremos en condiciones de ver en profundidad el valor sicológico de un lenguaje donde poco o nada es gratuito.

Quienes han tenido la oportunidad de seguir el decursar de su obra desde los años noventa del pasado siglo, podrán constatar un leiv motiv casi absoluto, la presencia de la figura humana y especialmente el desnudo femenino. Esto lógicamente le ha permitido usar lo erótico como un recurso justificativo para lograr acercarnos a la verdadera desnudez del ser humano, esa que obviamente no esta a flor de piel, la constante soledad de sus figuras aún cuando haya mas de una en la obra denotan un intimismo y un retraimiento notable lo que delata una velada resistencia ante el medio que lo rodea, en muchas piezas hay sutiles elementos de contacto que refuerzan la imagen de la isla sicológica en el concepto del artista, la presencia en muchas de ellas por ejemplo de un pedestal de piedra donde se jerarquizan las figuras o verdaderos claustros de martirio donde seres desnudos resisten y de hecho existen, convierten el erotismo extrínseco en el mero hilo de Ariadna que nos seduce a la entrada del laberinto.

Obras emblemáticas siempre las hay, claro, no siempre coinciden autor, publico y especialistas, aunque ser el caso de “Remedio para soñar con huevos”, premiada del artista donde queda al desnudo, precisamente a partir de un desnudo, valga la redundancia, la precariedad del equilibrio de nuestros sueños. Equilibrio cuya fragilidad evidencia su necesidad de la luz y la sombra para existir. Desde el punto de vista formal hay determinadas búsquedas traducidas en el color y la textura que muchas veces intentan complementar el concepto esgrimido, en algunas ocasiones mas felices, en otras menos, pero siempre con la velada intención de decirnos algo desde lo mas absoluto.

El uso de los colores complementarios vibrando agresivamente en determinadas obras logran sugestionar al espectador de forma tal que no pueda obviar a pesar de la belleza y perfección de la imagen que contempla la crudeza de su drama interno. Otro elemento llamativo en sus últimas obras es esa especie de rayado en la piel de sus personajes que más que un simple ejercicio de texturas es una invocación formal a penetrar más allá de la piel de sus figuras e intentar comprender el universo de frustraciones que las mueve.

Pocas veces logra un autor no importa la manifestación del arte en que se exprese ser impersonal y poner distancia entre el y la obra que crea, y Denis no es el caso, cada pincelada, cada figura, en fin cada obra guarda una estrecha comunión con su autor, sus sentimientos, sus deseos, carencias y gusto están impresos en la piel de cada mujer, en los sueños surrealistas de los niños y en las heridas de esos seres encerrados y atormentados reflejos también, porque no, de sus propios temores.

Estamos sin dudas ante una propuesta artística donde el artista asume a conciencia el riesgo de ser honesto.

Lic. Vladimir Iglesias